Pat Metheny Group - Travels (1983) @320

Patrick Brucce Metheny, verdadero nombre del guitarrista y compositor, Pat Metheny, fue considerado desde su infancia un niño prodigio. Su hermano, el trompetista, Mike Metheny, lo inició en el jazz y a los 12 años agarró por primera vez una guitarra. Después de desarrollar su técnica a una velocidad asombrosa, estudiando a clásicos maestros del jazz como los guitarristas, Wes Montgomery y Charlie Christian, ganó a los quince años, una beca para jóvenes músicos con talento donada por la revista "Downbeat" y luego ingresó, también becado, a la Universidad de Miami. Poco después, con 19 años de edad, ya estaba dando clases de guitarra en la prestigiosa academia de "Berklee School of Music" de Boston, y entre sus alumnos, estaban Al Di Meola y Mike Stern. En la Universidad de Miami, Pat Metheny, conoció al que luego sería el legendario bajista, Jaco Pastorius. En 1975, Metheny, Pastorius y el baterista Bob Moses grabaron, el primer álbum liderado por Pat Metheny, "Bright Size Life", para el sello ECM. Pero fue cuando el vibrafonista Gary Burton, a quien había conocido en Berklee, le propuso unirse a su banda cuando Pat Metheny empezó a ganar cierto reconocimiento entre sus colegas y el público especializado. Dos años después, con la llegada del tecladista Lyle Mays, empezó a germinar la idea de formar un grupo, que se completó con la incorporación del bajista, Mark Egan y el baterista, Dan Gottlieb. El "Pat Metheny Group", su formación actual, se hizo rápidamente muy popular - excepto para los puristas del jazz- por su compleja y atractiva fusión de jazz y folk. En 1984, después de grabar desde obras maestras como Rejoicing hasta registros reiterativos como First Circle, Pat Metheny dejó el sello ECM y pasó a grabar para EMI primero y para "Geffen" después, una firma más orientada al pop y al rock. En los primeros años de la década de los ochenta, la imagen musical de Pat Metheny estaba ya formada y consolidada.
Metheny tiene en su haber el hecho de haber tocado con grandes figuras del jazz como Sonny Rollins, Ornette Coleman, o Jack DeJohnette. También ha ganado numerosos premios Grammy y es considerado uno de los grandes guitarristas del jazz contemporáneo. Entre su numerosa y prolífica discografía, destacan: "Travels" (1982); "First Circle" (1984); "Song X" (con Ornette Coleman, 1985); "Still Life" (Talking) (1987); "Question and Anvers" (1989) y "We Live Here" (1995).
Musicalmente hablando, Travels concilia la primera época con la era de los sonidos sintetizados. En él conviven baladas de apasionado lirismo como Goodbye, Farmer's Trust o la propia Travels con el ritmo desenfrenado de Straight on Red (donde la percusión se reivindica como elemento básico del sonido de la banda) o muestras de innovación y descaro en la sorprendente versión en directo de As Falls Wichita, So Falls Wichita Falls. No fue este el único tema que se recuperó de anteriores trabajos, también Are You Going with Me?, Goin' Ahead, San Lorenzo y Phase Dance encontraron su espacio. Para lucimiento de la guitarra sintetizada Pat compuso Extradition (de variada armonía) y Song for Bilbao (menos cambios de acordes, pero con variaciones métricas entre 4x4 y 3x4, algo que se volvería habitual con el tiempo).

Tracklist:
CD 1

01. Are You Going with Me? (Mays, Metheny) 9:19
02. The Fields, the Sky (Mays, Metheny) 7:46
03. Goodbye (Mays, Metheny) 8:16
04. Phase Dance (Mays, Metheny) 8:03
05. Straight on Red (Metheny) 7:26
06. Farmer’’s Trust (Mays, Metheny) 6:25

CD 2

07. Extradition (Mays, Metheny) 5:45
08. Going Ahead-As Falls Wichita, So Falls Wichita Falls (Mays, Metheny) 16:22
09. Travels (Metheny) 5:03
10. Song for Bilbao (Mays, Metheny) 8:26
11. San Lorenzo (Mays, Metheny) 13:35
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Personnel:

Pat Metheny - Guitar, Guitar Synthesizer
Lyle Mays - Piano, Synthesizers,Organ, Synclavier, Autoharp
Steve Rodby - Acoustic and Electric Bass, Bass Synthesizer
Dan Gottlieb - Drums
Nana Vasconcelos - Percussion, Voice, Berimbau

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Steve Kuhn Trio - Pavane for a Dead Princes@320

Anything that pianist Steve Kuhn does is likely to be beautifully executed and tasteful, and Pavane for a Dead Princess is no exception. Here, he and his empathic collaborators David Finck (bass) and Billy Drummond (drums) address themselves to the stock classical repertoire, jazzing up eleven popular pieces from Debussy, Rachmaninov, Tchaikowsky, Grieg, Brahms and Chopin. (There are actually two "Pavane"s—the title track, by Ravel, and Faure's version.)The result is nothing less than terrific. These are not classical melodies sitting stiffly on a jazz beat; instead, the trio digs deep into the structure of these well-worn compositions and thoroughly explores and expands them. Who knew "Swan Lake" or "Fantasy Impromptu" could swing like that? Or that Brahms's treacly "Lullaby" would make such a moving ballad? Listeners familiar with this music in its original form will get the biggest kick out of this release, and those who've been intimate with Chopin's piano scores will especially appreciate the brilliance of Kuhn's improvisations. But any listener can enjoy what happens to strong, beautiful melodies in expert hands like these.The recording is clear and warm, the pacing ideal. The musicians are in peak form, sounding positively inspired, and they swing like mad. What a delight!

Personnel: Steve Kuhn: piano; David Finck: bass; Billy Drummond: drums.

Biography :
Born: March 24, 1938. Brooklyn-born Steve Kuhn was fascinated with jazz very early in his life. He began classical piano lessons at age five and soon began to “improvise and syncopate the classical repertoire.” In his early teens, Kuhn studied with legendary teacher Margaret Chaloff who schooled him in the “Russian Technique”, an invaluable tool for tone production and projection. Chaloff's son, Serge, baritone saxophonist for Woody Herman, hired the 13 year-old pianist to play in his group. Throughout his teens Kuhn continued to play in Boston jazz clubs with visiting celebrities; Coleman Hawkins, Chet Baker and Vic Dickenson. After graduation from Harvard College, Kuhn attended the Lenox School of Music where he met and played in a group with fellow-students Ornette Coleman and Don Cherry. The faculty included Bill Evans, George Russell, and Gunther Schuller. While at Lenox, Kuhn met trumpeter Kenny Dorham and began a two-year stint, interrupted when Kuhn was asked to join John Coltrane's newly-formed quartet. Kuhn next joined Stan Getz's band, which included bassist Scott LaFaro. After a year with Art Farmer, he formed the first Steve Kuhn Trio, with drummer Pete LaRoca and bassist Steve Swallow. At the end of the 1960's he spent four years living in Europe, where his performances had a significant impact upon local players. Upon returning to the United States, Kuhn began his long-term affiliation with ECM, resulting in a string of important albums including Trance, Ecstasy, Non-Fiction and the collaborations with Sheila Jordan; Playground and Last Year's Waltz. In the mid-80's, Kuhn co-founded the popular 'All Star Trio', with bassist Ron Carter and drummer Al Foster, and launched a new and still evolving edition of his trio with bassist David Finck. Drummers for the latter have included Joey Baron (as on the ECM recording Remembering Tomorrow), Lewis Nash, Billy Drummond, Kenny Washington and Bill Stewart. In the 90's and up to the present time, he has recorded CDs for Venus, Reservoir and Sunnyside. In 2004, Kuhn recorded Promises Kept which includes a string orchestra for ECM Records. He is most proud of this recording. Kuhn continues to tour widely throughout the world, with a strong following in Europe and especially Japan where his CDs frequently appear on the jazz charts.

TRacklist:
1. I'm Always Chasing Rainbows/Fantasy Impromptu (F.Chopin)
2. Pavane For A Dead Princess (M. Ravel)
3. Moon Love- Symphony #5 2nd Movement (P. Tchaikovsky)
4. One Red Rose Forever- Ich Liebe Dich (E. Grieg)
5. Swan Lake (P. Tchaikovsky)
6. Nocturne In E Flat Major Op. 9, No. 2 (F.Chopin)
7. Reverie C. Debbussy)
8. Prelude In E Minor Op 28, No. 4 (F.Chopin)
9. Full Moon And Empty Arms/ Piano Concerto #2 3rd Movement (S. Rachmaninov)
10. Pavane (G. Faure)
11. Lullaby (J. Brahms)
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Michel Petrucciani - Both Worlds (1998) @320

El pianista francés Michel Petrucciani falleció el 5 de Enero en Nueva York a causa de una infección pulmonar. A sus 36 años estaba considerado como uno de los grandes pianistas europeos. La grave enfermedad ósea que padecía no fue obstáculo en su interés por la música, y pese a no alcanzar el metro de estatura, sentado frente al piano se convertía en un gigante. Dotado de un virtuosismo extremo, su estilo intimista y romántico, que partía de la escuela de Bill Evans -del que era un ferviente admirador-, combinaba con inteligencia el lirismo y la sutileza con un ataque poderoso y percusivo.Había nacido en Orange el 28 de Diciembre de 1962. Estudia piano clásico y a los 12 años actúa acompañado por su padre en la guitarra y su hermano Louis en el contrabajo. Su enorme talento le hace destacar desde muy joven y a los 17 años graba su primer disco. El año siguiente inicia con un trío de excepción con Jean-François Jenny-Clark y Aldo Romano una serie de espléndidas grabaciones para el sello francés Owl. En 1982 se traslada a California y se convierte en el pianista del grupo del saxofonista Charles Lloyd cuando éste regresa a la escena después de un prolongado retiro. También actúa a dúo con Lee Konitz. Aunque sigue grabando en Francia, sus estancias en Nueva York propician sus primeros discos americanos, hasta que en 1985 inicia su período Blue Note con "Pianism", una grabación en trío con Palle Danielson y Elliot Zigmund. El año siguiente actúa en Montreux en trío con Wayne Shorter y Jim Hall, encuentro que se publica bajo el título de "Power of Three". En trabajos posteriores -"Music", "Playground"-, se acerca a las fórmulas de la fusión eléctrica con producciones en las que se diluyen sus mejores virtudes. Su último disco para Blue Note es un solo en homenaje a Ellington, uno de sus compositores favoritos. En 1994 vuelve a grabar para una compañía francesa, Dreyfus, con "Marvellous", en trío con el soberbio apoyo de Dave Holland y Tony Williams y el sorprendente añadido de un cuarteto de cuerda. Su absorbente personalidad le hacía preferir las formaciones reducidas, y en los últimos años una de las más fructíferas fue su insólito encuentro a dúo con el organista Eddy Louiss, plasmado en los dos volúmenes de "Conference de Presse". Pero por encima de todo se vuelca en el solo, del que era un verdadero maestro. El doble CD recogido en sus actuaciones en París "Au Teathre Des Champs-Elysees" es probablemente la cima de su carrera discográfica. En 1997 da un nuevo giro formando un grupo más amplio, un sexteto en el que se integran dos jóvenes revelaciones italianas de la corriente neo-bop: Stefano Di Battista y Flavio Boltro, con el que graba "Both Worlds".



Tracklist:
01. 35 Seconds Of Music And More
02. Brazilian Like
03. Training
04. Colors
05. Petite Louise
06. Chloe Meets Gershwin
07. Chimes
08. Guadeloupe
09. On Top Of The Roof
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Emilie-Claire Barlow - Havent We Met @320

EMILIE-CLAIRE BARLOW (vocalist) was born June 6, 1976 in Toronto, Ontario, Canada to parents who are, themselves, respected jazz artists. Her mother is vocalist/composer/arranger Judy Tate and her father is celebrated jazz percussionist Brian Barlow. When the energetic, witty, and exceedingly talented jazz vocalist entertained a capacity crowd at Toronto’s Living Arts Centre on February 17, 2004, she became one of the youngest artists to ever headline a “Sound of Toronto Jazz” Concert, although already a veteran contributor to the city’s vibrant music scene. A few years ago, CBC (Canada Now) called her “the next best thing in jazz”, but Emilie-Claire Barlow is hardly a newcomer to the music scene. She started her career as a singer and voice actor at the age of seven, lending her voice to various television and radio jingles and voice-overs, an aspect of voice work that still plays a major role in her busy performing life. For five years, she attended the Etobicoke School of the Arts studying musical theatre and dance, later focusing her studies on music theory and arranging at Toronto’s Humber College. It was during that time that she put her first jazz quartet together and quickly established a key place for herself on the Toronto jazz landscape. The self-managed Barlow has been called a “truly independent artist”, exercising creative control in all aspects of her endeavors – arranging, producing, even conducting as necessary, and releasing her recordings on her own label, Empress Music Group. In the fall of 1998, she released her first CD, Emilie-Claire Barlow - SINGS. Over the next five years, in between recording the critically-lauded TRIBUTE and happy feet, she played consistently to sold out shows at top jazz clubs and festivals everywhere. 2005’s Like a Lover, and her successful 2006 holiday CD Winter Wonderland both achieved award nominations, rave reviews, and top 10 spots on important international charts which would move her already-flourishing career to new heights. Her most recent album, The Very Thought of You, has remained on top 10 charts consistently since it was launched in June 2007. A December 2007 tour to Japan saw Barlow and her band playing for ten sold-out concerts, and ever-increasing show bookings ever since their return. Emilie-Claire Barlow’s performances have been featured in movies including A Touch of Pink, and television series Lifetime in this country and State of Mind in the U.S. As a busy studio singer and voice actor, she has been heard on numerous commercials (e.g. Sun Life Financial, Tim Horton’s, The Bay). Her voice is also featured on several animated television series including Rescue Heroes, Bakugan Battle Brawlers, Martin Mystery, 6Teen, Spider Riders, and Total Drama Island.

AWARDS

2001 - Juno Award Nominee for Vocal Jazz Album of the Year (for Tribute)

2008 – Juno Award Nominee for Vocal Jazz Album of the Year (for The Very Thought of You)

2008 – Named National Jazz Awards’ ‘Female Vocalist of the Year’

Tracklist:
01. All I Do Is Dream of You
02. C’est Merveilleux
03. You’re Driving Me Crazy!
04. Comin’ Home Baby
05. Haven’t we Met?
06. I’m Glad There is You
07. Chez Moi
08. Is You Is Or Is You Ain’t My Baby?
09. Jardin d’Hiver
10. La Vem A Baina
11. Will You Still Be Mine?
12. You Make Me Feel So Young
13. You Must Believe in Spring
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Claire Martin - Devil May Care @320

Claire Martin ha grabado 13 discos desde que empezó su proyecto discográfico, así mismo ha colaborado con distintos músicos. Ha sido considerada "The First Lady of British Jazz" gracias a que en cinco ocasiones distintas se le han otorgado los codiciados "British Jazz Awards", actualmente es una artista reconocida a nivel mundial.

Claire Martin grew up in a house “full of music”, and claims to have learned all of Judy Garland´s songs by the time she was 12. She cites Ella Fitzgerald´s Song Books as being the life changing influence which inspired her to attend Stage School and later to study singing in both New York and London. Her professional career started with her first engagement, aboard the QE2, where she sang in the Theater Bar for two years [1]. In 1991, at the age of 21, Martin formed her own jazz quartet, and was signed by the Scottish jazz label Linn Records. Her debut album, The Waiting Game, was extremely well reviewed and was selected by The Times as one of their “Albums of the Year”. Later that year, she opened for Tony Bennett at the Glasgow International Jazz Festival. Martin continued performing and recording, garnering numerous awards and rave reviews, throughout the 1990s and early 2000s, including awards from the British Jazz Awards and BBC Jazz Awards for Best Vocalist. She recorded a total of 11 albums (all on the Linn label). Apart from touring both in the UK and on the Continent, she also works as a co-presenter for Jazz Line Up on BBC Radio 3.


Produced by Rick Taylor

Claire Martin - vocals
Jim Mullen - guitar
Arnie Somogyi - bass
Clark Tracey - drums, tabla, African drums

Special Guests:
Nigel Hitchcock - alto saxophone
Iain Bellamy - tenor and soprano saxophones
Rick Taylor - trombone, percussion
Backing vocals: Rick Taylor, Jonathan Gee, Arnie Somogyi, Clark Tracey, Claire Martin

Arrangements by Rick Taylor, Claire Martin and Jonathan Gee
Produced by Rick Taylor
Executive Producer: Ian Middleton
Recorded at Townhouse 3, London, 8, 9 10 February 1993
Engineered by Tristan Powell, assisted by Andy Bradfield
Mixed at Castlesound Studios, Pentcaitland, 5 & 6 March, 1993



Tracklist:
1 Devil May Care (Dorough, Kirk) 5:36
2 Victim of Circumstance (Martin, Newton) 4:33
3 If Love Were All (Coward) 4:53
4 Devil's Gonna Get You (Martin, Taylor) 4:14
5 By Myself (Dietz, Schwartz) 3:32
6 Close Enough for Love (Mandel, Williams) 4:16
7 Can't Give Enough (Howlett, Martin, Richie , Taylor) 3:22
8 The Sun Was Falling from the Sky (Blair) 6:18
9 October Thoughts (Gee, Martin) 2:56
10 On Thin Ice (Martin) 5:20
11 Save Your Love for Me (Johnson) 4:42
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Ornette Coleman - Sound Grammar (2005)

Ornette Coleman (Fort Worth-Texas 1930) soportó a finales de la década de los cincuenta las criticas mas feroces dirigida contra un músico de jazz en toda la historia. Fue acusado, ni más ni menos, de asesinar al jazz. Su delito fue haber grabado para el sello Contemporary, un par de discos bajo el patrocinio del productor, Lester Koening, que transgredía los espacios cerrados del jazz inmerso en un debate interiorista que a punto estuvo de reducirlo a cenizas. En realidad, Ornette Coleman, agregó a su música la libertad intrínseca en el jazz, rompió moldes armónicos que establecía que la improvisación se establecía sobre los acordes y destrozó el concepto de la melodía usando sonoridades que hasta ése momento, solo merecían el despectivo calificativo de cacofonías; alteró la métrica rítmica, base canónica del jazz sin perder el swing (lo cual hasta ese momento parecía un contrasentido) y dejaba libertad para que sus músicos avanzaran por su cuenta sin mas norma que la atención a una suerte de comunidad emocional, aspecto este que llegaría al paroxismo en su disco: "Free Jazz" grabado para Atlantic.
Todo eso era demasiado pare servirlo en un mismo plato y las reacciones de la ortodoxia jazzistica fueron todavía mas airadas que las criticas recibidas por los boopers, de los clásicos del swing. Junto a Don Cherry, compañero de aventuras y desventuras, Ornette Coleman desarrolló una faceta de compositor de gran peso. Toda su escritura está marcada por el espíritu del blues y es en las baladas, donde su solvencia se hace mas patente. El disco cumbre de Ornette, titulado "The Shape of Jazz to Come" contiene precisamente una excepcional balada titulada, "Lonely Woman" que promueve un sentimiento de desolación total que contrasta con el resto de la música del disco que tiene un carácter mas bien burlón. Los años 1959 y 1960, fueron sin duda los mejores años de la música de Ornette Coleman y el material grabado en esas fechas refleja una homogeneidad que solo puede venir de la convicción artística de un músico inmune al rechazo arbitrario de los demás.
Apoloybaco

Artist: Ornette Coleman
Title Of Album: “Sound Grammar”
Year: 2005
Label: allmusic
Genre:Jazz
Quality: MP3 (320 Kb)
Total Time: 59:17
Total Size: 136 Mb + Scans

Tracklist: 1 2

1. Intro
2. Jordan
3. Sleep Talking
4. Turnaround
5. Matador
6. Waiting for You
7. Call to Duty
8. Once Only
9. SONGX
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Greg Cohen - bass
Denardo Coleman - drums and percussion
Tony Falanga - bass
Ornette Coleman - alto, violin, trumpet

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Cassandra Wilson en Chile

Considerada “La Mejor Cantante de América” (revista Time), título que defiende hoy con su ubicación número UNO en el ranking mundial del Jazz,llega a Chile. Cassandra Wilson, nacida, en Jakson,Mississipi, hija de un contrabajista de jazz, se dió a conocer a mediados de los setenta como cantante y guitarrista en grupos de folk e incluso de Rhythm and Blues. En la Universidad donde estudiaba, comenzó a interesarse por el jazz, interpretando su propio repertorio.
Casada con un saxofonista de jazz, tras una breve temporada en la cuna del jazz, en New Orleáns, a principios de los años ochenta, se instaló en New York, donde de inmediato se uniría al colectivo "M'Base" y ahí comenzaría a grabar sus composiciones y a colaborar con músicos de la talla de Steve Coleman o Greg Osby.
Cassandra Wilson se ha deslizado con igual soltura en el "regge", los ritmos africanos, los aires latinos y el más genuino "blues", e incluso ha hecho un guiño a la tierra del norte de España, donde ha cantado, interesándose por cómo estaba el público en un más que correcto euskera. "La flor negra del jazz" pasa del susurro a la potencia más absoluta, sin dejar de moverse al ritmo de la música de su banda, compuesta por Marvin Sewell en la guitarra, Jonathan Batiste en los teclados, Reginald Veal, al contrabajo, Herlin Riley en la batería y Lekan Babalola en la percusión.
¡Gran aportunidad de unir una marca de calidad a la mejor calidad de voz femenina del mundo! Leer mas ...

Ornette Coleman En Chile

El padre del Free Jazz se presentará, por primera vez en nuestro país, el próximo 9 de mayo en el Teatro Caupolicán...
El padre de la composición libre o Free Jazz, saxofonista, trompetista, violinista y compositor, Ornette Coleman es ya una leyenda del Jazz. Por primera y tal vez única vez en Chile, este 9 de mayo, a las 21:00 horas, Coleman llega al país con su saxo bajo el brazo a presentar un show que ya ha sido ovacionado en todo el mundo.
Inspirado en sus orígenes por Charlie Parker, comenzó a tocar el saxo alto a los 14 años, cultivando luego una carrera de éxitos y controversias. Sus innovaciones en el ámbito del free jazz han sido tan revolucionarias que de cierta manera cambiaron la historia del Jazz.El año pasado fue incluido en el paseo de la fama del Jazz, además, a sus 78 años acaba de ganar el prestigioso premio Pulitzer de la música por su trabajo "Sound Gramar", del año 2006.
A nuestro país Ornette Coleman viene acompañado de los músicos Tony Falange, Denardo Coleman y Al Macdowell. Leer mas ...

Billy Cobham en Chile

Para fanáticos fue la presentación que ofreció el baterista Billy Cobham junto a Jean-Marie Ecay (guitarra), Fifi Chayeb (Bajo), Christophe Cravero (teclados y violín) y Marco Lobo (percusión) el Sabado 18 recièn pasado en un teatro capitalino. A las 21:15 horas comenzó el recital que culminó con su famoso Red Baron para deleite de sus seguidores. Cobham, quien en mayo próximo cumplirá 65 años (nació en 1944), se manifestó contento con el público y con su presentación, señalando a UPI que, "me sentí muy cómodo. Se puso cada vez mejor y mejor. Cada vez que pueda ofrecer música de calidad, que ésta tenga un mensaje, siempre existirá una muy buena comunicación con los asistentes".
Por su parte, Marco Lobo, percusionista brasileño que hace tres años acompaña al baterista, y que tiempo atrás estuvo en Chile acompañando a Milton Nacimiento, indicó sobre el espectáculo que, "fue un momento muy especial, el público fue realmente caluroso, lo cual agradezco sinceramente y espero que muy pronto volvamos con Billy a tocar acá".
Respecto de que es para él pertenecer a la Banda de Billy Cobham, el percusionista manifestó que "es maravilloso, es una experiencia personal muy interesante. Billy es uno de los mejores bateristas del mundo. He aprendido mucho, es muy enriquecedor".
Sobre el espectáculo, Lobo y Cobham -solos en el escenario-, protagonizaron uno de los momentos de virtuosismo musical más especiales. El percusionista ejecutaba un birimbao junto con unos cascabeles que tenia sujetos en sus tobillos, mientras Billy comenzó a tocar diversos instrumentos de percusión y posteriormente volver a su batería para comenzar a tocar junto a los otros integrantes. Sobre ello, Marco manifestó que "este momento siempre acontece en el show y siempre es muy diferente".
El guitarrista Jean-Marie Ecay -francés de padres españoles-, quien hace 20 años vino al país, señaló sobre el samuray de la batería que, "soy su admirador desde que soy chico. Cuando me llamó para integrar su banda -también hace tres años-, fue un placer y sentí orgullo poder tocar con él. Hoy representa estar haciendo buena música, con compromiso y pasándolo bien, viajando y conociendo gente".

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Eddie Higgins - It's Magic (2006)@320

Born and raised in New England, Eddie (Haydn) Higgins started his professional career in Chicago, while studying at the Northwestern University Music School. For twenty years Eddie worked at some of Chicago's best known jazz clubs, including the Brass Rail, Preview Lounge, Blue Note, Cloister Inn and Jazz Ltd. His longest and most memorable job was at the London House, where he led the house trio for twelve years, playing opposite the biggest jazz stars of the 50's and 60's, including Stan Getz, Oscar Peterson, Dizzy Gillespie, Errol Garner, George Shearing, Cannonball Adderley, Bill Evans and many others.
Eddie Higgins has been an active jazz musician since the late '50s, though he has developed an especially strong following in Japan, resulting in numerous opportunities to record for Japanese jazz labels. This single-disc set features the bandleader with tenor saxophonists Scott Hamilton and Ken Peplowski, along with bassist Jay Leonhart and drummer Ben Riley. The primary focus is on slow, lush interpretations of ballads, with Hamilton having more of a straight-ahead approach when compared to Peplowski's more personal, conversational style. Exceptions include the snappy, swinging take of "I Never Knew," a breezy arrangement with Peplowski's gritty solo taking top honors, and the driving explorations of "Autumn Leaves." Peplowski switches to clarinet for part of the session, especially the gorgeous take of "Mood Indigo." Throughout the date, Higgins' engaging piano seems effortless, as the songs have likely long been a part of his repertoire.



Artist: Eddie Higgins
Title Of Album: It's Magic
Year Of Release: October 18 , 2006
Label: Venus Records. Tokyo, Japan, Venus TKCV-35383
Genre: Jazz / Post-Bop, Hard Bop, Mainstream Jazz
Quality:Mp3 320 Kbps (CBR) +Artwork
Total Time: 01:04:16
Total Size: 171 MB

Personnel:
Scott Hamilton (tenor sax)
Ken Peplowski (tenor sax & clarinet)
Eddie Higgins (piano)
Jay Leonhart (bass)
Ben Riley (drums)

Tracklist:
01. It's magic (J. Styne)
02. Ghost of a chance (V. Young)
03. I got it bad (And that ain't good) (D. Ellington)
04. Mood indigo (D. Ellington)
05. I never knew (Ted Fio Rito & G.Kahn)
06. A nightingale sang in Berkley Square (M. Sherwin)
07. Autumn leaves (J. Kosma)
08. I’ll never be the same (M. Matt & F. Signorelli)
09. The touch of your lips (R. Noble)
10. Autumn leaves 2 (J. Kosma)
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Buenas Nuevas!

Hola ! considerando que, estoy priviligiando la calidad y no la cantidad de albunes subidos...es que subirè a contar de ahora, solo Mp3 de calidad 320 Kbps. Esto significa mejor audio, considerando que lo regular para subir es de 128 Kbps.
Quizas si el ùnico pero serìa que van a demorarse màs para bajarlo,pero creo que por la calidad,vale la pena! En todo caso..teneis que tener buen oìdo para diferenciar (profundidad de los bajos y lo estridente de las notas altas ) entre ambas, pero el que sabe..sabe. Debo mencionarles que estos albunes los tengo en formato [Flac] y de ahì a Mp3.
Si tienen alguna opinion al respecto,haganla saber..asì sabremos que opinan los entendidos
Saludos. Leer mas ...

Diana Krall - 2001 - The Look Of Love (Re Subido)@ 320

He querido resubir este albùm a una mejor calidad de audio (320Kbps) entre otras cosas..porque es uno de mis preferidos, y creo que vale la pena disfrutar la mùsica de esta encantadora y bella artista. Disfrutenlo!

No es fácil encontrar en el mundo del jazz una voz tan perfecta, delicada y a la vez con carácter, con un rico colorido y una extraordinaria técnica como la de Diana Krall. Pero mucho más difícil es encontrar todos esos atributos sumados en una cantante que además es una excelente pianista. Decir que Diana Krall es la más talentosa cantante de jazz de este comienzo de siglo, no es exagerar. Una personalidad expresiva completamente ajena a todos los estereotipos, ha logrado conquistar un merecido prestigio.”The Look of Love”, es un álbum [Photo] que muchos consideran flojo y de un corte más comercial. Pero aquellos que han criticado ese trabajo por estar más cerca del ‘bossa nova” que del jazz, olvidan que todos los grandes del jazz han respetado ese género y hasta lo han cultivado. La versión de “Besame mucho” es una muestra de lo que Krall puede aportar a una canción tan popular y tantas veces grabada por innumerables cantantes. En “The look of love” lo más interesante es la bella sensualidad que Diana Krall logra imprimir en una melodía tan simple y sencilla. Pero entre la novedad también encontramos un tema como “Cry me a river”, simplemente delicioso.Sin duda… otro gran album de Diana Krall, melodioso, de baladas romanticas y con muy buenos arreglos orquestales de Claus Ogerman. Como siempre acompañada de Christian McBride, Peter Erskine y Russell Malone. The Look Of Love fue un éxito, y ganó dos Premios Grammy.

Tracklist :
1. S’Wonderful
2. Love Letters
3. I Remember You
4. Cry Me A River
5. Besame Mucho
6. The Night We Called It a Day
7. Dancing In The Dark
8. I Get Along Without You Very Well
9. The Look Of Love
10. Maybe You’ll Be There
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Sonny Rollins - Global Warming (1998)@320

Theodore Walter "Sonny" Rollins (New York, 1930) nació en el seno de una familia de emigrantes venida desde Las Islas Vírgenes, en las Antillas. Su hermano tocaba el violín y el comenzó desde pequeño a tocar el piano. Por aquella época y siendo adolescente, compatilizaba sus estudios en la Universidad con el saxofón alto, instrumento utilizado por Louis Jordan, por aquel entonces muy popular. Pasada esa afición inicial al saxo alto, adoptó definitivamente el saxo tenor y en New York, comenzó a frecuentar los ambientes boopers, y con dieciocho años, participó en sus primeras sesiones de grabación bajo la dirección del cantante Babs Gonzales, con el sello Capitol y con el trombonista, Jay Jay Johnson para Savoy. Ese mismo año de 1948, el pianista, Bud Powell, le elegía para formar parte de un quinteto -junto al trompetista, Fats Navarro - que dejó para la posteridad, los álbumes "Bouncing With Bud" y "Dance of the Infidels" para Blue Note ambos. Al año siguiente empezó a grabar regularmente para la casa Prestigie, bajo el liderazgo de Miles Davis, y ya en diciembre llegaron los primeros discos a su nombre. Con una progresiva maduración artística e instrumental, Sonny Rollins, grabaría en 1953 y 1954 al lado de The Modern Jazz Quartet, Tkelonious Monk, Art Farmer y especialmente, con Miles Davis, y en una de esas sesiones de grabación, tuvo por fin la oportunidad de grabar con su idolatrado, Charlie Parker. En aquel año presentó sus primeras composiciones y algunas de ellas se han convertido con el paso del tiempo en estándares del jazz, como : "Óleo", "Airegin" y "Doxy". Dejó New York con una excelente reputación y se instaló en Chicago donde coincidió con su amigo, el batería, Max Roach, que actuaba con un quinteto en el que estaba, Clifford Brown, a la trompeta. Roach le propuso unirse a ellos en sustitución del saxo tenor, Harold Land, y su permanancia con el baterista, duró año y medio. Sonny Rollins, grabaría al año siguiente el disco cumbre de su carrera: "Saxophone Colossus" (Prestige, 1956) con Tommy Flanagan al piano, Doug Watkins, al bajo y Max Roach a la batería. En ese disco está el tema: "St. Thomas", una composición que inaugura las inclinaciones de Rollins por el calipso -una herencia materna - y la obra maestra, "Blue Seven", un blues conceptualmente extraordinario. Aquel gran año, se cierra con Sonny Rollins de jazzman de Thelonious Monk en el disco "Brilliant Corners", otra logradísima obra de Monk. Al año siguiente modifica el formato de su música y cambia el soporte del piano y opta por el contrabajo y la batería. Así graba "Way Out West" (Contemporary, 1957), la maratoniana sesión en el Village Vanguard (Blue Note, 1957) y la "Freedom Suite" (Riverside, 1958). A pesar de su extraordinario éxito en los cincuenta, y de estar considerado uno de los grandes saxofonistas del momento, la aparición de Ornette Coleman y la eclosión de Coltrane, en su etapa moderna, le habían desplazado de la vanguardia del jazz de la época. Decidió tomarse un respiro de un par de años donde se le veía muy a menudo ensayando de noche en el puente neoyorquino de Williamsburg -que une Manhattan con Brooklyn -y a la vuelta grabó para RCA en enero de 1962, otro de sus grandes discos: "The Bridge". En ese álbum, se ve a un Sonny Rollins sereno, majestuoso y con un estilo depurado. El cuarteto que acompañó a Rollins en esa grabación fue: Jim Hall a la guitarra, Bob Cranshaw, al contrabajo y Ben Riley a la batería. Al año siguiente graba con el maestro Coleman Hawkins, otro disco extraordinario a pesar de que ambos tocaban un sonido radicalmente distinto. En 1966 grababa la banda sonora de la película "Alfie" protagonizada por Michael Caine y al año siguiente reúne la rítmica de Coltrane -Elvin Jones a la batería, Jimmy Garrison al contrabajo- mas Freddie Hubbard a la trompeta para grabar su postrero intento de subirse a la corriente free del jazz: "Broadway Run Down" (Impulse, 1966). Un nuevo retiro, esta vez desde 1969 a 1971 donde inicia un flirteo con el jazz rock que no parece convencerle. Visita la India, estudia yoga y religiones asiáticas y desconcierta a los críticos y puristas que, sin embargo, no se fijan en que Rollins conserva en el jazz rock mas elementos del bop que ningún otro músico. Ya, a principios de los ochenta, volverá a ser ese improvisador impetuoso y lírico que ha dejado atrás sus inquietudes. Riguroso y austero, preocupado por la perfección, no cesará jamás de explorar el jazz. Hoy, ya septuagenario y con un reciente disco en la calle "This is Whaty it Do" (Milestone, 2000) Sonny Rollins, es, sin duda alguna, el último de los gigantes del jazz que continúa con vida. (Apoloybaco)

Performer: Sonny Rollins
Album: Global Warming
Genre: Jazz
Label: Milestone
Quality: MP3 @ 320Kbps
Recorded: January 7 & February 28, 1998
Personnel: Stephen Scott, Bob Cranshaw, Idris Muhammad, Clifton Anderson, Victor See Yuen, Perry Wilson
Total Time: 50:00
Size: 127 mb (RS.com)


Artistlisting:

Sonny Rollins — tenor saxophone
Stephen Scott — piano (and kalimba on "Global Warming")
Bob Cranshaw — electric bass
Idris Muhammad — drums
Clifton Anderson — trombone
Victor See Yuen — percussion
Perry Wilson — drums

Tracklisting:

1. Island Lady 9:07
2. Echo-Side Blue 7:15
3. Global Warming 6:30
4. Mother Nature's Blues 11:26
5. Change Partners 8:36
6. Clear-Cut Boogie 7:07
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Silje Nergaard - At First Light (2001)

La cantante noruega Silje Nergaard se dio a conocer al público de jazz con tan sólo 16 años, cuando se unió a una jam-session improvisada con algunos ex miembros de la última banda de Jaco Pastorious. La crítica de su país se entusiasmó al vislumbrar el nacimiento de una nueva estrella del jazz vocal. Poco después, Silje se había convertido en una de las vocalistas más respetadas de Noruega, por su sentimiento y su pasión a la hora de interpretar. Su inusual y original estilo de improvisación vocal entusiasmó tanto al público como a los críticos. Incluso a músicos como Pat Metheny, que recomendó encarecidamente al productor Richard Niles que fichara de inmediato a Silje, cosa que hizo al momento. Su single de debut, Tell Me Where You’re Going (1990), se mantuvo más de 15 semanas entre los 100 mejores puestos de las listas británicas y su dúo con el guitarrista, Pat Metheny fue editado por Toshiba-EMI. Ese apoyo fue clave para que Silje Nergaard fuese la cantante de jazz mas radiada de todo Japón, y una de las mas apreciadas en el país del Sol Naciente. Algunos escarceos con estilos dispares, como por ejemplo su tercer álbum, “Cow on the Highway”, donde creó una una fascinante fusión entre el jazz, la música country y el western fueron rápidamente olvidados y su estilo empezó a definirse cuando utilizó, tras grabar dos álbumes en su lengua nativa, armonías poco habituales y a experimentar texturas vocales nuevas. En Diciembre de 1999, Silje Nergaard recibió una Mención Honorífica por su composición “I Don’t Want to See You Cry” en el prestigioso certamen “USA Songwriter”. Su canción “On and On” fue escogida como tema central de la película coreana “Interview”, y el artista de Hong Kong, Cass Phang grabó el tema “Brevet The Letter” para un álbum y un single editados en Taiwán, Hong Kong, Singapur, Malasia y China. Gran compositora, capaz de conferir a su música el empaque y la solidez de los estándares, Nergaard regresó a los estudios para grabar el elegante trabajo Su penúltimo disco, “At First Light” une sutiles texturas y ritmos armónicos, mezclados con seductoras melodías, como parte de un crecimiento artístico y personal, que subraya la identidad propia de Silje Nergaard dentro del mundo del jazz. (Extracto tomado se apoloybaco.com)

Tracklist:
1. There’s Always a First Time
2. Be Still My Heart
3. Let There be Love
4. So Sorry for Your Love
5. Now and Then
6. Two Sleepy People
7. Keep on Backing Losers
8. Blame it on the Sun
9. At First Light
10. There’s Trouble brewing
11. Japanese Blue
12. Lullaby to Erle
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Joyce Cooling - Global Cooling (2009)

En el mundo del Jazz Contemporáneo no es común encontrarse con una dama y menos ejecutando la guitarra eléctrica, sin embargo en San Francisco, CA, hay una bella joven que además de interpretar muy bien este instrumento musical, ha ocupado el puesto nº 1 de las carteleras con sus dos discos compactos. Su primer CD fue Playing it Cool, puesto a la venta por Heads Up en 1997 y fue inmediatamente al puesto de honor de las más importantes carteleras del Jazz. Fueron once canciones en donde Joyce compartió junto a Jay Wagner en los teclados y contó en parte con la producción del también guitarrista Ray Obiedo









Joyce Cooling - soulful, funky, and always original - presents her seventh studio album, Global Cooling. Global Cooling features Cooling’s signature, colorful, body-moving sound, blending funky contemporary jazz with flavors and vibes from around the world. “It’s eclectic - you can dance to it, you can trance to it. It’s up to you.” “Global Cooling is like taking a transcontinental flight, touching down in fun, exciting and beautiful places. We were inspired to travel into uncharted territory, so we really stretched ourselves to get our passports in order! We played with a lot of new instruments and layered tablas, congas, bongos, sitar, berimbau and even accordion over funk, rock and jazz. It was a trip.” Joyce Cooling and songwriting partner, Jay Wagner, have crafted a stunning collection of songs that embody places, feelings and thoughts. Cobra and The Red Rose paint sound-scapes of exotic lands. Other songs are born of ideas and concepts near and dear to Joyce. In particular, the title track, Global Cooling, and We Can are driven by Cooling’s optimism and love of things global and universal. “Jay and I wanted to make music in the spirit of that interconnectedness that I like to call our global neighborhood.” Cooling, who is known for her eclectic and swinging style, is recognized as one of the most dynamic and popular contemporary jazz guitarists in the world. She invites her fans to join her on the fantastic Global Cooling trek. Global Cooling continues Cooling’s advocacy and commitment to NAMI (National Alliance on Mental Illness). Joyce will donate a portion of the proceeds from her CD sales to NAMI.

Tracklist:
1. Grass Roots
2. Global Cooling
3. Save This Dance For Me
4. Cobra
5. What Are We Waiting For?
6. Dolores In Pink
7. We Can
8. Rhythm Kitchen
9. The Red Rose
10. Chit Chat
11. In The Streets
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Laverne Butler - A Foolish Thing To Do

LaVerne Butler's jazz vocals on A Foolish Thing To Do emphasizes her fluid mastery of the jazz form and her genuine joy in the music. The beautiful vocalist sings 12 blues-inflected jazz gems written by some of America's most prolific songwriters on this follow-up to her chart-topping Blues In The City. Accompanied by Terrell Stafford on trumpet, Bruce Barth on piano, Darryl Hall on bass and Victor Lewis on drums, Butler opens with "A Foolish Thing To Do," a love-gone-wrong blues she co-wrote with Bruce Barth. Terrell Stafford's trumpet announces the fateful theme and punctuates Butler's vocals throughout the song before easing into a solo with a bluesy jazz dialect reminiscent of the great Louis Armstrong.LaVerne Butler takes command of the lyrics on "Make It Easy On Yourself" and finds her wringing the tears from it whereas so many other vocalists have delivered it in such a glib matter-of-fact way. In addition to the excellent string accompaniment on three compositions and Bruce Barth's piano stylings throughout this great program, LaVerne Butler's graceful creativity, tone, phrasings and emotion are among the shining elements that make up her very cool tools of vocal expression and natural talent. ~ Paula Edelstein, All Music Guide

Tracklist:
1. Foolish Thing To Do, A
2. End Of A Love Affair, The
3. Go Away Little Boy
4. When I Fall In Love
5. Dindi
6. West Coast Blues
7. Affinity
8. Just One Of Those Things
9. Make Someone Happy
10. Make It Easy On Yourself
11. Never Let Me Go
12. Basin Street Blues
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Notes & Personnel Info
Personnel: Laverne Butler (vocals); Bruce Barth (piano); Steve Wilson (alto saxophone); David "Fathead" Newman (tenor saxophone); Terell Stafford (trumpet); Jason Uyeyama, Laura Albers, Marc Rovetti (violin); Che-Yen Chen (viola); Ani Aznavoorian (cello); Bruce Barth (piano); Darryl Hall (bass); Victor Lewis (drums).

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Frank Sinatra - Beautiful Ballads and Love Songs - (2008)

If you are like me, who sometimes love to listen to an enchanting compilation of Frank Sinatra's beautiful ballads and love songs with nostalgic feel and old-fashioned charms, then you will find this latest offering from Sony Music released early this year, "Beautiful Ballads and Love Songs," a welcome addition to your Sinatra collection. Likewise, if are a big fan of the Great American Songbook with songs written by the most brilliant songwriters ever lived like the Gershwin Brothers, Berlin, Mercer, Porter, Carmichael, Parish, among others, then this recording will truly give you a delightful listening experience.
There is a sentimental ambience and a touch of nostalgia listening to the Chairman's recordings in 1940s featuring Tommy Dorsey and His Orchestra on the first two tracks - "Blue Skies" and "Stardust," and Ken Lane Singers on background vocals on "Dream." Most of the arrangements are from one of the earliest and finest Sinatra arrangers/conductors/orchestrators -- Axel Stordahl, who was known for his exquisite and classically-oriented charts and dubbed as the "Father of Modern Orchestration." The equally talented Sy Oliver and George Siravo's impressive arrangements can also be heard on some of the tracks. The songs here perfectly define Frank Sinatra's vocal artistry as young, pure, romantic, affectionate, warm, tender and listener-friendly -- the "Voice" that captured the listening ears and loving hearts of millions of fans.All the fifteen songs are beautiful highlights and my all-time favorites, but my top choices include Parish/Carmichael's "Stardust," where you can hear the charming voice of Jo Stafford with the Pied Pipers, Johnny Mercer's "Dream," Gershwins' "Someone To Watch Over Me," Young /Washington's "Stella by Starlight," Cole Porter's "Begin The Beguine" and Irving Berlin's "Blue Skies." This is a collector's item and I wholeheartedly recommend it for your listening enjoyment. Amazon


Tracklist:
01 - Blue Skies (with Tommy Dorsey and His Orchestra)
02 - Star Dust (with Tommy Dorsey and His Orchestra and The Pied Pipers)
03 - Night and Day
04 - Dream (When Youre Feeling Blue) (with The Ken Lane Singers)
05 - Someone To Watch Over Me
06 - September Song
07 - Lost In The Stars
08 - Stella by Starlight
09 - Laura
10 - Autumn In New York
11 - Lover
12 - Begin The Beguine
13 - Body and Soul
14 - Hello Young Lovers
15 - Ive Got A Crush On You
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